Bach, Chopin, Beethoven: Komponisten kennt man einige. Doch welche frühen Komponistinnen gibt es, die Sie unbedingt kennen sollten? Wir stellen Ihnen die ersten und bedeutendsten Komponistinnen der Geschichte vor. Ihre Werke und Errungenschaften haben nicht nur neue musikalische Maßstäbe gesetzt, sondern auch den Weg für zukünftige Generationen von Musikerinnen geebnet.

Die ersten Komponistinnen

Bereits im Mittelalter und in der Renaissance gab es einige Frauen, die ihre eigene Musik komponierten und teilweise auch veröffentlichten. Obwohl es für sie als Frauen besonders schwer war, sich gegenüber ihren männlichen Kollegen und der gesellschaftlichen Ordnung durchzusetzen, haben einige von ihnen Beeindruckendes auf die Beine gestellt.

Klaviatur mit Notenpapier und Schreibfeder. Vor allem für frühere Komponistinnen waren die Klaviatur und das Notenpapier essenziell für ihre Arbeit. Foto: Mathilda Meyer

Hildegard von Bingen

Die Geschichte weiblicher Komponistinnen beginnt früher, als man vielleicht denkt: nämlich im zwölften Jahrhundert mit Hildegard von Bingen. Die deutsche Nonne und Benediktinerin lebte von 1098 bis 1179 und ist bis heute eine wichtige Figur in der katholischen Kirche. Das Komponieren war dabei nicht ihre Haupttätigkeit: Hildegard war Universalgelehrte und hat einige wichtige Schriften, unter anderem über die Emanzipation der Frau, verfasst. Ihr größtes musikalisches Werk heißt „Ordo Virtutum“, es ist ein Musikdrama mit Gesängen, in dem die Tugenden und der Teufel um die Seele kämpfen. Im Jahr 2012 wurde Hildegard von Bingen vom Papst heiliggesprochen.

Maddalena Casulana Mezari

Die genauen Geburts- und Sterbedaten der Italienerin Maddalena Casulana sind unbekannt, vermutlich wurde sie jedoch um 1544 geboren. Bekannt ist sie vor allem als erste Frau, die ihre eigenen Kompositionen drucken und somit auch veröffentlichen ließ. Komponiert hat sie fast ausschließlich Madrigale, also eine Art Singgedichte. Casulana war auch über Italiens Grenzen hinaus bekannt, obwohl ihre Werke nur in Venedig gedruckt wurden. Des Weiteren war sie auch Sängerin und Lautenistin und trat in verschiedenen europäischen Städten auf.

Komponistinnen des Barocks

Die Epoche des Barock lässt sich etwa auf den Zeitraum von Beginn des 17. Jahrhunderts bis in die Mitte des 18. Jahrhunderts begrenzen. Musikalische Merkmale sind:

• die Ornamentik: das Verzieren und Ausschmücken der Stücke
• die Dynamik: durch den Einsatz des Hammerklaviers konnte man gezielt laut oder leise spielen
• der Basso Continuo (Generalbass): eine eigene, durchlaufende Bassstimme, die begleitend zur Melodie eingesetzt wird

Francesca Caccini

Die Italienerin Francesca Caccini lebte vermutlich zwischen 1587 und 1641. Sie stammte aus einer Künstlerfamilie und arbeitete am Hof der Medici. Früh wurde sie zur Musikerin und Komponistin ausgebildet und war außerdem hoch anerkannt. Caccinis Kompositionsstil enthält sowohl Elemente der Renaissance als auch des frühen Barock. Besonders hervorzuheben ist ihre gesangliche Begabung, die ihr den Beinamen „La Cecchina“ (= der Singvogel) einbrachte — sowie die Tatsache, dass sie die erste Frau war, die eine Oper schrieb.

Barbara Strozzi

Geboren im Jahr 1619 als angebliche Adoptivtochter des venezianischen Adeligen Giulio Strozzi, erhielt Barbara Strozzi bereits früh Musikunterricht. Sie war eine hervorragende Sängerin und vertonte viele Texte männlicher Intellektueller. Das Hauptthema ihrer Sologesänge war jedoch die Liebe und das damit verbundene Leid. Sie hatte vier uneheliche Kinder und war bis zu ihrem Tod 1677 alleinstehend. Beeindruckend ist vor allem ihr großes Werk, das aus acht Sammlungen besteht, darunter finden sich Arien, Kantate und Madrigale. Barbara Strozzi gilt als Erfinderin der Kantate und ist bis heute für die emotionale Tiefe und Virtuosität ihrer Werke bekannt.

Klassische Komponistinnen

Marianna Martines

Joseph Haydn hatte sie als Schülerin: Marianna Martines, einer neapolitanischen Familie mit spanischen Vorfahren entstammend, wurde 1744 in Wien geboren und genoss durch die guten Kontakte ihrer Eltern ausgezeichnete musikalische Bildung. Als sie 17 Jahre alt war, wurden bereits erste Werke von ihr aufgeführt. 1773 nahm die Accademie Filarmonica Bologna sie auf — damit war Martines dank ihres Talents die erste Frau überhaupt in dieser angesehenen Runde. Sie schrieb eine Vielzahl an Werken, darunter einige Kantaten, Sonaten sowie Sinfonien und Oratorien. Außerdem war sie eine begabte Pianistin.

Maria Theresia von Paradis

Die Wienerin Maria Theresia von Paradis wurde 1759 geboren. In Anbetracht ihrer Umstände ist ihre Geschichte besonders bemerkenswert. Denn Maria Theresia war seit früher Kindheit blind. Trotzdem wurde sie eine erfolgreiche Musikerin und Komponistin. In den 1780er Jahren war sie für drei Jahre in ganz Europa unterwegs und gab Konzerte. Außerdem hatte sie einen Notensetzkasten, mithilfe dessen sie selbstständig Kompositionen anfertigen konnte. Über ihr eigenes musikalisches Schaffen hinaus setzte sie sich für junge blinde Menschen und junge Musikerinnen ein und unterrichtete diese auch selbst. Das bis heute berühmteste Werk von Maria Theresia heißt „Sicilienne“.

Wir hoffen, Ihnen hat dieser Artikel von uns gefallen und Sie haben einen guten Überblick über einige der bedeutendsten frühen Komponistinnen erhalten. Anhören können Sie sich viele der genannten Werke auf Youtube, hier finden Sie zum Beispiel die Sicilienne.

Wenn Sie weitere berühmte Persönlichkeiten der Musikgeschichte interessieren, lesen Sie doch gerne unsere Artikel über Französische Komponisten.

Quellen

• https://www.br-klassik.de/themen/klassik-entdecken/alte-musik/stichwort-hildegard-von-bingen-100.html
• https://mugi.hfmt-hamburg.de/receive/mugi_person_00000080
• https://www.br-klassik.de/aktuell/news-kritik/komponistin-maddalena-casulana-wiederentdeckt-100.html
• https://www.kunstplaza.de/musik/barockmusik-kennzeichnende-merkmale/
• https://www.br-klassik.de/themen/klassik-entdecken/alte-musik/stichwort-barbara-strozzi-100.html
• https://www.ndr.de/kultur/musik/klassik/Francesca-Caccini-Komponistin-am-Hof-der-Medicis,francescacaccini100.html
• https://www.berliner-philharmoniker.de/stories/marianna-martines/
• https://www.archiv-frau-musik.de/archives/augen-zu-lass-die-ohren-nicht-glauben-maria-theresia-paradis

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Generalbass: Neue Sicht auf Musik

Im Generalbass notieren Sie eine Basslinie und versehen diese mit Zahlen. Diese Bezifferung dient als Grundlage für die Realisierung von Akkorden. Ähnlich wie moderne Akkordsymbole, die heute Gitarrist’innen oder Jazzmusiker’innen als harmonische Richtlinie dienen, fungierte der Generalbass im 17. Jahrhundert als praktische Begleitfunktion, insbesondere für Tasteninstrumente und Lauten. Er ermöglicht es den Musiker’innen, auf Basis der notierten Basslinie und der Bezifferung eine improvisierte, harmonisch fundierte Begleitung zu gestalten.

Verständnis mit Zweiergruppen-Methode

Um das Prinzip des Generalbasses einfach zu erklären, analysieren wir Akkorde, indem wir sie vom notierten Basston ausgehend in Zweiergruppen betrachten:

• 1. und 2. Stufe: Der Grundton und die Sekunde
• 3. und 4. Stufe: Die Terz und die Quarte
• 5. und 6. Stufe: Die Quinte und die Sexte
• 7. und 8. Stufe: Die Septime und die Oktave

Diese Betrachtungsweise macht das Verständnis von Generalbass einfacher und konsistenter.

Abbildung 1: Vergleich moderne Akkordbezeichnungen und Generalbass. Hinweis: Im Generalbass werden nur die eingekreisten Töne mit den hervorgehobenen Zahlen notiert. / Dawidzinski (2025)

Einfache Regeln des Generalbass

Im Generalbass gelten folgende einheitliche Regeln:

1. Ohne Bezifferung: Spiele die Töne 1, 3, 5 (und 8) über dem Basston.
2. Mit Zahl:
   • Bei einer 4: Ersetze die 3 durch eine 4.
   • Bei einer 6: Ersetze die 5 durch eine 6.
   • Bei einer 7: Ersetze die 8 durch eine 7.
3. Vorzeichen:
   • Ein # (Kreuz) oder ♭ (Be) ohne Zahl bezieht sich auf die 3 (erhöhe oder erniedrige die Terz).
   • Mit Zahl: Ein # oder ♭ vor einer Zahl bezieht sich auf genau diese Stufe (erhöhe oder erniedrige diese Stufe).
4. Tonart beachten: Gehen Sie immer von den leitereigenen Tönen der aktuellen Tonart aus (die Vorzeichen am Anfang der Zeile bzw. des Taktes).

Diese klaren Regeln in Kombination mit der Zweiergruppen-Methode bilden das Fundament für das Verständnis und die Anwendung des Generalbasses.

Generalbass vs. Funktionstheorie

Die Betrachtungsweise des Generalbasses unterscheidet sich fundamental von der Funktionstheorie oder modernen Harmoniebetrachtungsweisen. Während beide Systeme dazu dienen, Akkorde zu beschreiben, tun sie dies aus unterschiedlichen Perspektiven. Die Abbildung 1 hilft den Generalbass einfach zu erklären.

Nehmen wir zunächst die verschiedenen Umkehrungen des F-Dur-Akkords (F, F/C, F/A) als Beispiel:

• Funktionstheorie/Moderne Harmonie: Hier werden F-Dur in Grundstellung, F-Dur mit C im Bass (F/C) und F-Dur mit A im Bass (F/A) als derselbe Akkord betrachtet: ein F-Dur-Dreiklang. Die Umkehrung ändert nichts an der grundlegenden harmonischen Funktion des Akkords.
• Generalbass: Im Generalbass werden diese Umkehrungen als unterschiedliche Akkordstrukturen betrachtet, da sie unterschiedliche Bezifferungen über dem jeweiligen Basston erfordern:
  • F (ohne Bezifferung): Grundakkord (1-3-5)
  • C mit 4 6: F-Dur in zweiter Umkehrung (Quartsextakkord), da über dem C eine Quarte (F) und eine Sexte (A) liegen.
  • A mit 6: F-Dur in erster Umkehrung (Sextakkord), da über dem A eine Sexte (F) liegt.

Nun betrachten wir die Akkorde C-Dur, F/C und Am/C:

• Funktionstheorie/Moderne Harmonie: Hier werden C-Dur, F/C (F-Dur Akkord mit C im Bass) und Am/C (A-Moll Akkord mit C im Bass) als unterschiedliche Akkorde mit jeweils eigener harmonischer Funktion betrachtet. Der Fokus liegt auf der Akkordqualität und ihrer Rolle im harmonischen Kontext.
• Generalbass: Im Generalbass haben diese Akkorde alle den Basston C gemeinsam. Die Unterschiede ergeben sich durch die Bezifferung, die angibt, welche Intervalle über dem Basston gespielt werden sollen:
  • C (ohne Bezifferung): Grundakkord (1-3-5) – in diesem Fall C-Dur
  • C mit 4 6: C-Quartsextakkord
  • C mit 6: C-Sextakkord

Zusammenfassend lässt sich sagen: Der Generalbass konzentriert sich auf die Intervalle über dem notierten Basston, während die Funktionstheorie/Moderne Harmonie die Akkordqualität und ihre harmonische Funktion in den Vordergrund stellt. Im ersten Beispiel (F-Dur Umkehrungen) betont die Funktionstheorie die Einheitlichkeit des Akkords, während der Generalbass die unterschiedlichen Strukturen hervorhebt. Im zweiten Beispiel (Akkorde mit C im Bass) betont die Funktionstheorie die Unterschiede in der Akkordqualität, während der Generalbass die gemeinsame Basis im Basston C hervorhebt.

Generalbass-Regeln: Erweiterungen

Nachdem wir die grundlegenden Regeln des Generalbasses kennengelernt haben, wollen wir uns nun einigen speziellen Akkorden und Zeichen zuwenden, die in der Generalbasspraxis vorkommen und eine Erweiterung der bisherigen Regeln darstellen.

Abbildung 2: Erweiterungen. Hinweis: Im Generalbass werden nur die eingekreisten Töne mit den hervorgehobenen Zahlen notiert. / Dawidzinski (2025)

In den Grundregeln haben wir gelernt, dass eine Zahl eine andere ersetzt. Bei einigen speziellen Akkorden werden jedoch mehrere Intervalle gleichzeitig über dem Basston gespielt, was eine Erweiterung unserer Grundregeln darstellt (siehe Abbildung 2).

Der Quintsextakkord

Bei dem Quintsextakkord (5 6) werden sowohl die Quinte als auch die Sexte gleichzeitig über dem Basston gespielt. In der Generalbassnotation wird dies als 5 6 notiert. Die Terz (3) ist ebenfalls enthalten, wird aber nicht extra notiert, da sie als Standard gilt (siehe Grundregeln). In der Grundtonart C-Dur, also ohne Vorzeichen, können wir zwei häufige Beispiele betrachten: einen Akkord mit dem Basston F und den Tönen F-A-C-D, sowie einen mit dem Basston H und den Tönen H-D-F-G. Beachtenswert ist, dass die gleiche Bezifferung 5 6 auf diesen verschiedenen Basstönen zu unterschiedlichen Klangwirkungen führt. Dies unterstreicht den Kontrast zur Funktionstheorie.

Der Terzquartakkord

Bei dem Terzquartakkord (3 4) werden sowohl die Terz als auch die Quarte gleichzeitig über dem Basston gespielt. Ob große oder kleine Terz hängt ausschließlich von den leitereigenen Tönen der Grundtonart ab und nicht der Generalbassbezifferung, außer sie soll beabsichtigt davon abweichen. In der Generalbassnotation wird der Terzquartakkord als 3 4 notiert. In der Grundtonart C-Dur können wir ein verbreitetes Beispiel mit dem Basston D betrachten, wobei die Töne von unten nach oben D-F-G-H wären.

Beachten Sie, dass in den meisten Fällen hier die 5 mit der 6 ersetzt wird. Um die Konsistenz zu wahren, können Sie von folgender Regel ausgehen: Wenn im Akkord eine Reibung (hier: große Sekunde) enthalten ist, wird ab dem oberen Ton dieser beiden Töne die fehlende(n) Terz(en) aufgebaut. Das wäre hier die 6 anstelle der 5 vom Basston aus betrachtet. Ansonsten hätten wir die Töne der Stufen 3, 4 und 5 und damit drei nebeneinander liegenden Töne. Wichtig: Dieser Akkord ist nicht mit einem 4-3-Vorhalt zu verwechseln, bei dem zwei aufeinanderfolgende Akkorde notiert würden: zuerst 4, dann ohne Bezifferung (also 3).

Der Sekundakkord

Hier werden die Sekunde, Quarte und Sexte gleichzeitig über dem Basston gespielt. Er wird entweder als 2 oder 2 4 notiert. In der Grundtonart C-Dur könnte dies z.B. ein F-G-H-D sein. Da dieser Akkord ebenfalls meistens aus funktionstheoretischer Sicht „dominantisch“ eingesetzt wird, gilt hier ähnliches wie in den vorigen Beispielen: Die höheren Töne der Zweiergruppe werden auch gespielt, wenn dies nicht notiert ist.

Bezifferung und Harmoniefreiheit

Wie wir gesehen haben, unterscheidet sich der Generalbass grundlegend von der Funktionstheorie. Aber was macht ihn so wertvoll, besonders in einer Zeit, in der die Funktionstheorie und moderne Harmoniebetrachtungen dominieren? Im Gegensatz zur Funktionstheorie bietet der Generalbass:

• Einheitlichere Regeln und interpretatorische Freiheit: Obwohl die Grundstruktur des Generalbasses durch einheitliche Regeln definiert ist, lässt er dennoch Raum für unterschiedliche Auslegungen und Realisierungen. Ähnlich wie Jazzmusiker’innen heute Akkordsymbole interpretieren oder Gitarrist’innen Lagerfeuerlieder begleiten, bietet der Generalbass eine Grundlage für freie Improvisation und individuelle Gestaltung der Harmonie.
• Weniger starre Kategorisierung: Der Generalbass legt den Fokus auf die unmittelbare Klangwirkung jedes einzelnen Akkords, wobei die Analyse primär auf den Intervallen über dem Basston basiert. Eine Einordnung in vorgegebene funktionale Kategorien tritt zunächst in den Hintergrund.
• Unabhängige Betrachtung jedes Akkords: Die eigentliche Stärke des Generalbasses liegt in seiner schlichten und systematischen Herangehensweise. Wir betrachten jeden Akkord unabhängig vom harmonischen Kontext, allein basierend auf den Intervallen über dem Basston. Dazu zählen wir, welche Stufen der Tonleiter – in der jeweiligen Grundtonart – über dem Basston liegen. Dabei ist egal, ob der resultierende Akkord Dur oder Moll ist. Auch seine funktionstheoretische Rolle ist nicht wichtig. So notieren wir beispielsweise das Hinzufügen einer 6. (Sexte) einfach, unabhängig davon, ob wir den Akkord klanglich als „spannungsreich“ oder „auflösend“ wahrnehmen. Diese Reduktion auf die Intervalle macht den Generalbass zu einem klaren und universellen System, das die unmittelbare Klangwirkung in den Fokus rückt, ohne von theoretischen Kategorien beeinflusst zu sein.
• Erweiterte Analysemöglichkeiten für modale Musik: Der Generalbass erweist sich als besonders wertvoll bei der Analyse von Musik, die sich nicht primär an Dur-Moll-Tonalität orientiert. Insbesondere die Kirchentonarten (Modi) lassen sich mithilfe des Generalbasses differenzierter analysieren. Er beschreibt die Intervallverhältnisse über die traditionellen tonalen Funktionen hinaus.

Generalbass in der Musikanalyse

Nachdem Sie sich mit dem Generalbass, einfach erklärt, auseinandergesetzt haben, erschließt sich seine Bedeutung. Er ist nicht nur ein Relikt vergangener Epochen, sondern ein lebendiges Werkzeug zur Analyse und Gestaltung von Musik. Er bietet eine alternative Perspektive auf Harmonien, die dazu einlädt, über traditionelle Schemata hinauszudenken. Ob für das eigene Komponieren, für die Analyse von Musik oder einfach nur, um ein besseres Gefühl für Harmonien zu entwickeln – der Generalbass ist eine Bereicherung für Musiker’innen, die die Freiheit schätzen, Akkorde individuell zu gestalten.

Für weitere spannende Einblicke in die Welt der klassischen Musik empfehlen wir Ihnen weitere Artikel unseres Blogs, wie über Serenade-Kompositionen.

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Entwicklung der Abend- und Nachtmusik

Serenaden wurden zunächst mit Blasinstrumenten wie Fagotten, Hörnern und Oboen gespielt, da sie ausschließlich für Aufführungen im Freien gedacht waren. Frühe Serenaden zeichnen sich durch ein Gleichgewicht aller beteiligten Instrumente aus, was jedoch mit dem Übergang in die romantische Epoche an Bedeutung verliert. Die Einkehr der Kompositionen in Konzertsäle sorgte für eine Erweiterung der Auswahl um Streichinstrumente und veränderte die Gattung zugunsten einer orchestralen Ausrichtung. Die Blütezeit der Serenaden liegt in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, wodurch aus dieser Zeitspanne heute noch zahlreiche Werke bekannt sind. Besonders wichtige Komponisten sind hier:

Wolfgang Amadeus Mozart schuf 1787 die bekannteste Serenade-Komposition. Foto: Pixabay

• Wolfgang Amadeus Mozart
• Joseph Haydn
• Ludwig van Beethoven
• Anton Reicha
• Franz Krommer

Ein Wiederaufleben der Serenade im 19. Jahrhundert führte zu weiteren Werke durch Komponisten wie:

• Johannes Brahms
• Richard Strauss
• Pyotr Iliyic Tschaikowsky

Charakteristiken von Serenade Kompositionen

Die Serenade hat als wohlklingende Freiluftmusik schwärmerischen Charakters, einige Überschneidungspunkte mit Werken aus dem Divertimento, Cassation (reine Instrumentalserenade) oder Notturno. Sie steht seit dem 17. Jahrhundert für instrumentalmusikalische Kompositionen in diversen Besetzungen. Die zusammenhängenden drei bis acht Sätze der Stücke, werden häufig durch einen Marsch eröffnet und ausgeleitet. Serenaden haben somit mehr Sätze als Symphonien oder Sonaten. Zudem sind sie meist freier in ihrer Ausgestaltung. Damit deckt die Gattung innerhalb der Klassik einen breiten Musikgeschmack ab und wird in verschiedenen Kontexten rezipiert.

Die bekannteste Serenade

Bereits die Anfänge der Serenade-Kompositionen sind durch einige der weltweit bekanntesten Komponisten geprägt. Jedoch weisen auch die Werke selbst eine hohe Prominenz auf. „Die Serenade Nummer 13 für Streicher in G-Dur“ aus dem Jahr 1787 wird unter ihrem Beinamen „Eine kleine Nachtmusik (KV. 525)“, nicht nur Klassik-Fans ein Begriff sein, sondern gehört zu Wolfgang Amadeus Mozarts populärsten Werken. Der Begriff Nachtmusik wurde in diesem Kontext durch den Komponisten selbst gewählt, der das Wort „Serenade“ aus dem italienischen übersetzt hatte. Entgegen der musikalischen Gattungs-Tradition ist die kleine Nachtmusik als Kammerstück konzipiert, das aus zwei Violinen, einer Bratsche, einem Kontrabass und einem Violoncello besteht. Auf dem YouTube Kanal der DW-Classical Music finden Sie eine Aufführung des Werkes.

Serenade-Kompositionen für verschiedene Besetzungen

Eine weitere bekannte Streicherserenade: Die „Serenade für Flöte, Violine und Bratsche (OP. 25)“, stammt von Ludwig van Beethoven. Von Tschaikowski ist an dieser Stelle die „Serenade für Streicher in C-Dur (OP. 48)“ erwähnenswert, die 1880 uraufgeführt wurde und aus vier Sätzen besteht. Wer eine Serenade-Komposition in reiner Bläserbesetzung sucht, wird im Oeuvre von Antonín Leopold Dvořák fündig. Der junge Komponist ließ sich bei einem Besuch in Wien von einem Werk Mozarts inspirieren und schuf anschließend in nur 14 Tagen seine bekannte „Serenade d-Moll (op. 44)“. Ein modernes Beispiel wurde dagegen erst 1951 von dem britischen Komponisten Ronald Binge geschrieben. Die „Elisabethenserenade“ steht als orchestrale Komposition repräsentativ für die Spät-Form der Gattung. Als Neu-Arrangement erlangte das Werk zuletzt durch die Aufführung bei der royalen Hochzeit von Prinz Harry und Meghan Merkle im Jahr 2018 neue Prominenz.

Für die wilderen unter Ihnen sind Acid Techno und Symphonic Metal sicherlich interessante Alternativen zur Serenade.

Weiterführende Literatur

Durch die Entwicklungsgeschichte der Serenade ist die Ausprägung zugehöriger Werke sehr divers. Trotz unterschiedlicher Besetzungen und Aufführorte teilen die meisten Stücke allerdings ihre Bestimmung: Abwechslungsreiche und unterhaltsame Musik ohne den Ernst vergleichbarer Gattungen. Neben einem anschaulichen Erklärungsvideo des Bayrischen Rundfunks finden Sie anschließend weiterführende Literatur zum Thema:

• Glüxam, Dagma 2006: „Serenade (deutsch für ital. serenata, frz. sérénade etc.)“
• Schipperges, Thomas 1989: „Serenaden zwischen Beethoven und Reger. Beiträger zur Geschichte der Gattung“
• Von Blumroeder, Christoph, 1986: „Handwörterbuch der musikalischen Terminologie“

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