Gruselige Filmmusik – Die Anfänge bis 1950

Während Klassiker aus der Anfangszeit des Kinos, wie Friedrich Wilhelm Murnaus „Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens“ aus dem Jahr 1922 noch gänzlich ohne aufgenommene Klänge auskommen müssen, entwickelten sich mit der Einführung des Tonfilms auch die Soundtracks. Das Grusel-Kino der 1930er und 40er Jahren florierte mit Darstellern wie Bela Lugosi als Dracula, jedoch bleibt aus der Zeit wenig bis keine Grusel-Musik erhalten, die ohne ihre filmische Begleitung als eigenständiges Werk bekannt geblieben ist.

Grusel-Musik wurde spätestens durch Alfred Hitchcocks Filme zum festen Bestandteil des Horror-Kinos. Bild: Pixabay

Grusel-Musik der 1960er Jahre

Der Stellenwert von Grusel-Musik in Filmen, sollte sich in den 1960er Jahren mit dem Regisseur Alfred Hitchcock und seinem Film „Psycho“ drastisch erhöhen. Der ikonische Violinen-Klang, den der Komponist Bernard Herrmann für die bekannte Duschszene schrieb, wird bis heute zitiert und parodiert. Nicht umsonst befindet sich der Soundtrack zu Psycho laut des American Film Instituts, auf Platz vier, der besten Filmmusiken Amerikas aus 100 Jahren.

Ebenfalls aus der Zeit stammt Krzysztof Komedas Filmmusik zu „Tanz der Vampire“, aus dessen Handlung heute verschiedene abgewandelte Musical-Formen gespielt werden. Der Komponist zeigte sich in den 1960er Jahren auch für die ikonische Filmmusik des Polanski-Films „Rosemaries Baby“ verantwortlich, dessen Titelsong unter den Bezeichnungen „Lullaby for Rosemaries Baby“ und „Sleep Safe and Warm“ bekannt ist. Die schaurigen Pianoklänge in Kombination mit einem weichen „la, la, la“, wurden über die folgenden Jahrzehnte mehrfach gecovert, oder durch Sampling in gänzlich anderen Genres, wie Hip-Hop genutzt. Filme der 1960er mit besonders unheimlicher Musik sind unter anderem:

• Psycho
• Rosemaries Baby
• Die Nacht der lebenden Toten
• Tanz der Vampire
• Die Vögel

Horrorfilm-Soundtracks der 1970er und 80er

Grusel-Musik findet sich während der Hochzeit des Horror-Kinos in den 1970er Jahren in vielfältiger Varianz. Aus dem Blockbuster Kino ist John Williams Melodie zu „Der weiße Hai“ weltbekannt: Die spannungsgeladenen Streicherklänge brachten dem Komponisten im Jahr 1976 einen Oscar für die beste Filmmusik ein.

Der Regisseur John Carpenter komponierte die Titelmelodie seines Films „Halloween – Die Nacht des Grauens“ im Jahr 1978 kurzerhand selbst und erschuf damit einen der bekanntesten Film-Soundtracks überhaupt. Im Gegensatz zu diesen spannungsgeladenen Klavierklängen, mutet Mike Oldfields „Turbular Bells“ vergleichsweise harmlos an. In Verbindung zu den furchterregenden Szenen einer teuflisch besessenen 12-jährigen im Film „Der Exorzist“ entwickelt sich der Schauer durch den Kontrast, was das Stück zu einer ungewöhnlichen, aber nicht minder gruseligen Musikauswahl macht.

Weniger klassisches Musikstück, aber dafür umso unheimlicher ist der Soundtrack zu „Blutgericht in Texas“. Tobe Hooper und Wayne Bell griffen für die akustische Untermalung des Films auf eine Kombination aus Industrieklängen, afrikanischen Musikinstrumenten und Alltagsgegenständen zurück.

Die Wende des Grusel-Kinos

Mit der Wende zu den 1980er Jahren, entwickelten sich viele erfolgreiche Horrorfilme zu Franchises mit eigenen Fortsetzungen und Weiterführungen bereits bekannter Musikstücke. Heraus sticht in dieser Zeit Stanley Kubricks „Shining“ mit synth-lastiger Untermalung durch eine Zusammenarbeit den Komponisten György Ligeti und Krzysztof Penderecki. György Ligeti war Kompositions-Professor an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg und ist Namensgeber für unser Partnerinstitut, das Ligeti-Center. Krzysztof Penderecki ist mit seinen musikalischen Werken ebenfalls im Film „Der Exorzist“ vertreten. Diese Soundtracks aus den 1970er und 80er Jahren sind besonders gruselig:

• Susperia
• Der weiße Hai
• Der Exorzist
• Das Omen
• Halloween
• A clockwork orange
• Blutgericht in Texas
• Shining
• Das Omen

Grusel-Musik in Horrorfilm-Soundtracks von 1990 bis heute

Eine Neuauflage der Dracula Geschichte erschien 1992 unter dem Titel „Bram Stoker’s Dracula“ und begeistert durch seinen schaurigen Soundtrack bis heute. Der Komponist Wojciech Kilar lieferte dem Regisseur Francis Ford Coppola dafür eine breite Palette an dramatischen Klängen. Weniger romantisch, dafür aber besonders roh und unangenehm ist die musikalische Untermalung der Saw-Reihe. Charlie Clouser brauchte für die Komposition des Film-Soundtracks für „Saw“ im Jahr 2003 nur sechs Wochen. Dennoch findet sein ikonisches Stück „Hello Zep“ seitdem in jeder Fortsetzung der Reihe seinen Einsatz und prägt die Welt der Grusel-Musik so bis heute.

Moderne Horror-Musik

Ari Aster steht mit Heraditary für ein Horror-Kino, das ohne große Schocker, dafür aber mit starker Atmosphäre und psychischem Stress daherkommt. Für den 2018 erschienenen Film übernahm der amerikanische Saxophonist Colin Stetson die Aufgabe, den Soundtrack zu komponieren. Das Ergebnis ist eine dichte Zusammenstellung von Musikstücken, deren Ursprung im Film häufig aus Umgebungsgeräuschen resultiert, um die Atmosphäre zusätzlich zu verstärken. Die bekanntesten Grusel-Musiken der Moderne finden sich in folgenden Filmen:

• Das Schweigen der Lämmer
• Heraditary
• Saw
• Bram Stoker’s Dracula
• The Witch
• Midsommar

Viele Horrorfilme haben ihren ikonischen Status erst durch die Untermalung mit passender Musik erreichen können. Was durch Alfred Hitchcocks Pyscho seinen Anfang fand, spielt weiterhin eine entscheidende Rolle im Horror-Kino. Die Entwicklung von 1960 bis in die heutige Zeit stellt anschaulich dar, wie Grusel-Musik an Relevanz gewann, welche Filme dabei besonders prägend waren und wie Lieder durch die richtige Kontextualisierung zum schauerlichen Erlebnis beitragen können. Die Bewertung und Sortierung dieser besonderen Musikart finden Sie in verschiedenen Artikeln, die in den Quellen zu Grusel-Musik aufgeführt sind. Um nach einem gruseligen Film zu entspannen, könnten zudem Serenaden das richtige für Sie sein. Wenn es jedoch energiegeladen weitergehen soll, lohnt sich die Auseinandersetzung mit Viking-Metal. 

Quellen zu Grusel-Musik aus Filmen

• B. Alber, 2021: „Die 10 besten Horror-Soundtracks: Playlist für Halloween“
• F. Boell, 2022: „Studie: Die 20 erfolgreichsten Horror-Soundtracks im Ranking“
• C. Gibson, 2022: „Die beste Horrorfilm-Musik: 10 Soundtracks mit Gänsehautgarantie“

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Filmmusik-Geschichte im Überblick

Hinter jedem großen Film und jeder großen Serie steht ein brillanter Soundtrack, der das fertige Produkt erst zu einem spektakulären und ikonischen Erlebnis macht. Filmmusik und Soundtracks vermitteln Emotionen, verstärken die Spannung und stellen eine tiefere Verbindung zwischen dem Publikum und der Handlung auf dem Bildschirm her. Die Filmmusik-Geschichte lässt sich bis in die Zeit des Stummfilms zurückverfolgen.

Anfänge der Filmmusik-Geschichte. Foto: Donald Tong (Pexels)

Die Stummfilmära

Noch bevor es im Kino gesprochene Dialoge gab, war Musik zu hören. Während der Stummfilmzeit (1890er bis 1920er Jahre) versuchte man, das Fehlen des Tons zu kompensieren, indem die Musik während einer Filmvorführung entweder von einem Phonographen oder live gespielt wurde. Wie im Theater der griechischen Antike folgten bzw. improvisierten Musiker’innen einer zusammengestellten Partitur, die klassische Kompositionen, populäre Melodien und Originalstücke kombinierte. Die Verschmelzung von Ton und Bild vermittelte dem Publikum insgesamt ein neues Gefühl der Nähe zum Geschehen, das über den 2D-Aspekt hinausging und das Kinoerlebnis revolutionierte.

Aufstieg der Komponist’innen

Das Aufkommen des „Tonfilms“ (Filme mit gesprochenen Dialogen) in den 1930er und 1940er Jahren veränderte den Umgang mit Filmmusik:

• Die hauseigene Live-Begleitung von Filmen nahm immer mehr ab
• Die Komposition von Orchestermusik wurde zu einem immer wichtigeren Bestandteil der ganzheitlichen Filmproduktion
• Die eigenständige Vermarktung der Original Sound Tracks (OSTs) von Blockbustern nahm zu

Die Komponist’innen nutzten die Kontrolle über die Emotionen, die der Film beim Publikum hervorrufen sollte. Sie schufen Originalmusik, die speziell auf die von ihnen begleiteten Filme zugeschnitten war. Der erste Film, der eine komplett eigene Filmmusik verwendete, war der Klassiker „King Kong“ (1933) des Komponisten Max Steiner.

Goldene Ära Hollywoods

Das Goldene Zeitalter Hollywoods markierte einen bedeutenden Wandel in der Filmmusik. Das Studiosystem begann sich aufzulösen, Komponist’innen arbeiteten zunehmend freiberuflich und unabhängig. Infolgedessen wurde Filmmusik immer komplexer, thematischer und narrativer. Mit dem zunehmenden Erfolg von Filmgenres wie Western oder Horror entstanden innovative Soundtracks, die bis heute Kultstatus besitzen:

• Bernard Herrmann – „Psycho“ (1960)
• Maurice Jarre – „Lawrence of Arabia“ (1962)
• Ennio Morricone – „Dollar-Trilogie“ (1964–1966)

Goldene Ära der Filmmusik-Geschichte. Foto: Emma Timmers (Pexels)

Anstelle von Orchestermusik werden in den 1960er Jahren immer öfter Titellieder mit Texten komponiert, wie z. B. Henry Macinis „Moon River“ in „Breakfast at Tiffany’s“ (1961). Die Verwendung von Titelliedern ermöglichte die Bewerbung des Films in Radio und Fernsehen – die Verschmelzung von Filmmusik und Mainstream-Musikindustrie begann.

Die digitale Revolution

Der Einsatz von Synthesizern wird Ende der 1970er Jahre immer populärer und führte in die Welt der computergestützten Musik und Soundeffekte ein. Der parallele Aufstieg von Science-Fiction als Filmgenre eröffnete neue Möglichkeiten für musikalische Innovationen. Mit der Weltraumoper „Star Wars“ (1977–1983), die symphonische Orchestermusik mit futuristischen Soundeffekten verbindet, schrieb John Williams Filmmusik-Geschichte. Aufgrund der Quantensprünge in der digitalen Technologie, insbesondere beim Sampling, waren die 1980er Jahre von elektronischen Klängen geprägt:

• Vangelis – „Blade Runner“ (1982)
• Wendy Carlos – „Tron“ (1982)
• Brad Fiedel – „Terminator“ (1984)
• Elmer Bernstein – „Ghostbusters“ (1984)
• Alan Silvestri – „Back to the Future“ (1985)
• James Horner – „Aliens“ (1986)

Was wäre die Filmmusik-Geschichte ohne elektronische Instrumente, wie Theremin, Moog und DX7? Foto: Roman Stracke

Im Laufe der Jahrzehnte hat sich die Filmmusik auf verschiedene musikalische Genres ausgeweitet. Elemente aus Jazz, Rock, Pop und Hip-Hop spielen zunehmend eine wichtige Rolle im Film und fügen den Erzählungen neue Dimensionen hinzu. Genres wie Big Beat und Acid Techno sind häufiger in Filmen als im Radio zu hören. In den 1990er und 2000er Jahren kam die Filmmusik dank digitaler Audio-Workstations und virtueller Instrumente teilweise ganz ohne Orchestermusik aus. Auch bekannte Filmsongs, die in Kultfilmen wie „Pulp Fiction“ (1994) oder „Titanic“ (1997) verwendet wurden, fesselten das Publikum und prägen bis heute die Filmmusik-Geschichte.

Kunst in der Filmmusik-Geschichte

In mehr als 100 Jahren hat sich Filmmusik zu einer ganz eigenen Kunstform entwickelt, die sich von fast allen Musikrichtungen inspirieren lässt. Komponist’innen werden heute wie Filmstars gefeiert. Der mehrfache Oscar-Preisträger Hans Zimmer ist durch seine Arbeit an einigen der größten Blockbuster unserer Generation wohl der bekannteste Name in der heutigen Filmmusikbranche.

Neben hochkarätigen Blockbustern stechen heute aber mehr denn je aufwändige Fernsehproduktionen hervor, die das Interesse an Handlung und Figuren über mehrere Jahre aufrechterhalten. Ramin Djawadis Arbeit im Fantasy-Epos „Game of Thrones“ (2011–2019) ist ein Paradebeispiel für den kunstvollen Einsatz von musikalischer Themen und Motive, um die Emotionen, Intrigen und epischen Momente der Handlung zu unterstreichen. Weitere herausragende Soundtracks für Fernsehserien sind:

• Jeff Beal – „House of Cards“ (2013–2018)
• Ramin Djawadi – „Westworld“ (2016–2022)
• Kyle Dixon & Michael Stein – „Stranger Things“ (2016–heute)
• Ludwig Göransson – „The Mandalorian“ (2019–heute)
• Nicholas Britell – „Succession“ (2018–2023)

Die Filmmusik-Geschichte ist eine faszinierende Reise durch die kreative Evolution und die kulturelle Bedeutung der Musik in der Welt des Films. Von den bescheidenen Anfängen des Stummfilms bis zu den hochkomplexen Scores von heute ist die Filmmusik aus der Welt des Kinos nicht mehr wegzudenken. Durch die Meisterwerke von Ennio Morricone, John Williams, Hans Zimmer und Co. hat die Filmmusik die Fähigkeit bewiesen, zeitlose Emotionen zu vermitteln und den Zuschauer’innen unvergessliche Erlebnisse zu bescheren. Lesen Sie in unserem Blog außerdem, wie emotionale Musik Gänsehaut erzeugt.

Quellen zur Filmmusik-Geschichte

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