Der Ursprung des Viking Metal

Der Viking Metal hat seinen Ursprung im Black Metal. In der Literatur wird die schwedische Band Bathory als Initiator des Subgenres genannt. Nachdem ihre Musik zuvor dem Black Metal zugeordnet wurde, distanzierte sich ihr Album Blood, Fire, Death inhaltlich von den genretypischen satanistischen Themen und behandelte stattdessen Themen der Wikingerzeit. Erwähnenswert ist ebenfalls die norwegische Band Enslaved, die als eine der ersten Gruppen ihre Heimatsprache für ihre Songtexte verwendete und skandinavische Folklore thematisiert. Das folgende Bild zeigt das typische Aussehen eines Wikingers an seinem Schiff, um die Ästhetik des Subgenres zu verdeutlichen.

Typisches Bild eines Wikingers vor seinem Schiff, Quelle: AIArtPhoto by Pixabay

Weitere Bands sind:

• Amon Amarth (werden oft zum Melodic Death Metal gezählt)
• Einherjer (Norwegen)
• Ensiferum (Finnland)
• Tyr (Färöer-Inseln)
• Thyrfing (Schweden)
• Thrudvangar (Deutschland)
• Skálmöld (Island)

Akustische Merkmale des Subgenres

Viking Metal weist die typischen musikalischen Merkmale des Heavy Metal, wie Black Metal und wie Death Metal auf. Dazu gehören:

• roher, atmosphärischer Sound
• schnelle Tempi
• Tremolo-Picking
• Growling

Der Klang wird oftmals von einem Keyboard oder Synthesizer ergänzt. Die Besonderheit ist darüber hinaus, dass dem Instrument eine gleichberechtigte Rolle mit Melodieführung gegeben wird. Lead- und Rhythmusgitarren sind nicht klar eingeteilt, sondern führen oft gleichzeitig komplexe Melodien aus. Im Vergleich zum Black Metal sind die Melodien dominanter und harmonischer und wirken dadurch einschlägiger. Insgesamt entstehen musikalisch große und oft epische Klanglandschaften. Während traditionelle Instrumente selten Verwendung finden, verarbeiten Bands teilweise Melodien aus lokalen oder überregionalen Volkslieder ihrer Herkunftsländer.

Textliche Merkmale im Fokus

Der Viking Metal thematisiert ausschließlich die nordische Mythologie und die Wikingerzeit. Die meisten Metal Bands schreiben englische Texte. Das Subgenre zeichnet sich dadurch aus, dass nicht nur Texte, sondern auch Bandnamen, Album- und Liedertitel oft in lokalen Sprachen gewählt werden. Die typischen Motive des Subgenres sind:

• nordische Mythologie
• Landschaften
• Geschichten
• Helden
• Sagen
• nordische Götter
• Alkohol
• Unterdrückung der Christen (aus dem Black Metal übernommen)

Visuelle Merkmale des Viking Metal

Neben der genredefinierenden textlichen Ebene, spielt die visuelle Ebene ebenfalls eine wichtige Rolle zur Eingrenzung des Subgenres. Die visuellen Elemente, wie Albumcover, Bühnenbilder und Merchandise, zeigen typischerweise:

• kriegerische Szenerien
• Wikinger
• Naturdarstellungen
• mythologische Charaktere
  • Thor
  • Odin
  • Tyr
  • Freya
• Runen
• Drachenboote
• Mjollnir (Thors Hammer).

Zwischen Folk und Pagen Metal

Zur gleichen Zeit entwickelte sich aus dem Black Metal ebenfalls der Pagen Metal. Hier werden die irische Band Primordial und Amorphis aus Finnland als Pioniere genannt. Die Zuordnung zu diesem Subgenre erfolgt größtenteils auf der songtextlichen Ebene. Statt über den Satanismus zu schreiben, wird hier der Fokus auf das Heidentum gelegt. Die Soziologin Deena Weinstein verwendet in ihren wissenschaftlichen Arbeiten Pagan Metal als einen Überbegriff, der Viking und Folk Metal einschließt. Grund dafür ist die Tatsache, dass viele Bands, Fans und Labels die Subgenres als Synonyme verwenden. Der Folk Metal wird auf der Ebene der Instrumentierung von den anderen differenziert. Während hier folkloristische Instrumente und Melodien Verwendung finden, liegt der Fokus beim Viking sowie Pagen Metal auf der inhaltlichen Ebene.

Der Viking Metal als Subgenre

Obwohl Viking Metal stark von der nordischen Mythologie inspiriert ist, ist es ein modernes Subgenre. Ein Gegenstück dazu bilden traditionelle Musikgenres, wie portugiesische Fade-Musik und altertümliche Skalen, wie die Kirchentonarten.

Quellen

• Heinen, S. (2017). » Odin rules «: Religion, Medien und Musik im Pagan Metal (Vol. 3). transcript Verlag.
• Weinstein, Deena (2000). Heavy Metal. The Music and Its Culture. New York: Da Capo Press (rev. ed.).

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Musik als Werbemittel

Um die Vermarktung von Produkten und Marken voranzutreiben, gehen die Musik- und Werbeindustrie mittlerweile Kooperationen in Millionenhöhe ein. Beispielsweise zahlte Microsoft der Band The Rolling Stones 3 Millionen US-Dollar für die Verwendung ihres Songs „Start Me Up“ für die Einführung von Windows 95 (Naughton, 1999). Laut Kupfer (2020) investiert eine internationale Marke heutzutage 10 bis 20 Millionen US-Dollar im Jahr für musikbezogene Rechte und Lizenzen. Was macht Werbemusik so attraktiv?

Was macht Werbemusik so attraktiv? Grafik: freepik

Die Werbeforschung der letzten Jahrzehnte hat den wirksamen Einsatz von Werbemusik näher untersucht und eingegrenzt. Werbemusik vermittelt dem Publikum nicht nur ein Gefühl, das über das visuelle Erlebnis hinausgeht, sondern ist auch am Ausdruck der Werbung, an der Übertragung von Markeninformationen und an der gewünschten Werbewirkung beteiligt (Hou, Zhao & Zheng, 2019). Zahlreiche Studien verweisen auf das Potenzial von Musik, die Werbe- und Markeneinstellung als auch die Kaufabsicht von Verbraucher’innen direkt zu beeinflussen. Dadurch nimmt Werbemusik automatisch eine aktive Rolle bei der Markenbildung von Organisationen ein. Weitere psychologische Wirkungen von Musik in der Werbung sind:

• Aufmerksamkeit und Assoziationen hervorrufen
• Emotionen und Stimmungen aktivieren
• Erinnerung an Werbeinhalte fördern

Produktion und Lizenzierung von Werbemusik

Musik in der Werbung stammt aus einer von drei Quellen:

1. Auftragsmusik wird speziell für die Werbung komponiert und aufgenommen. Dazu zählt z. B. der klassische Jingle, oder Klang- und Audiologos von Marken.
2. Bestehende Musik ist urheberrechtlich geschützt und über direkte Lizenzierung erhältlich, oder wird zweckmäßig vorproduziert und zum Kauf oder zur Miete angeboten.
3. Angepasste Musik: Bestehende Musik wird leicht abgeändert. Somit ist sie Hörer’innen vertraut. Es besteht aber weder eine Urheberrechtsverletzung, noch müssen teure Lizenzgebühren für berühmte Musik entrichtet werden.

Welche Lizenzen benötigt man?

Auftragsmusik wird meist von einer Werbeagentur oder Marke in Auftrag gegeben und mit einem sogenannten Kreativitätshonorar vergütet. Komponist’innen verzichten dabei auf die Geltungmachung sämtlicher Urheberrechte. Manche Künstler’innen veröffentlichen ihre Musik auch direkt unter einer Lizenz, die Ihnen die kostenlose kommerzielle Nutzung erlaubt. Um kommerziell veröffentlichte Musik in der Werbung zu platzieren, müssen je nach Verwendungsart folgende Lizenzen erworben werden:

• Die Synchronisations-Lizenz (Sync-Lizenz): Wird immer dann benötigt, wenn eine neue Orchesteraufnahme eines bereits veröffentlichten Titels im Videoformat verwendet wird. Die Sync-Lizenz erwerben Sie direkt bei den Urheberrechts-Inhaber’innen der Kompositionen und Texte.
• Die Master-Lizenz: Wird benötigt, wenn die Originalaufnahme eines Songs genutzt wird. Diese wird meistens bei der Plattenfirma beantragt, die die Masterrechte an den über das Label veröffentlichten Songs besitzt und kontrolliert.

Lizenzen für Werbemusik sorgfältig abklären Grafik: vectorjuice (Freepik)

Was kostet lizenzierte Werbemusik?

Was die Höhe der Lizenzkosten für bestehende Musik angeht, ist insbesondere die Popularität eines Liedes entscheidend, aber auch:

• Der Umfang der Nutzung in einer Werbekampagne
• Das beworbene Gebiet
• Die Platzierung des Liedes (im Vordergrund vs. im Hintergrund)

Deutlich weniger Lizenzkosten zahlt man für die Verwendung von vorproduzierter Stock Music oder Werbemusik aus generischen Bibliotheken. Es gibt Unternehmen, die Abonnement-Lizenzen für Musikbibliotheken zur Verfügung stellen, welche i. d. R. als „lizenzfrei“ gelten, weil nur eine Pauschalgebühr gezahlt und die kommerzielle Nutzung von den Urheber’innen nicht weiterverfolgt wird. Hier finden Sie einige Beispiele für solche Musiklizenzierungs-Plattformen:

• Songtradr: Bei Songtradr stellen Künstler’innen und Labels ihre Musik für kommerzielle Zwecke wie Filme, Werbung und Videospiele zur Verfügung. Die Plattform ermöglicht es den Künstler’innen, Einnahmen aus Lizenzgebühren zu generieren, während Unternehmen hochwertige Musik für ihre Projekte finden können.
• Pond5: Pond5 bietet eine breite Palette an Inhalten für Kreative, darunter Musik, Soundeffekte, Stock-Videos und vieles mehr. Künstler’innen können ihre Musik auf Pond5 hochladen und für kommerzielle Projekte lizenzieren. 
• AudioJungle: AudioJungle bietet eine Vielzahl von lizenzierbarer Musik sowie Soundeffekten und Audiodateien für verschiedene Anwendungen.

Vorsicht bei Soundalike-Aufnahmen

Da die Rechte für die Nutzung des Originalmasters eines populären Liedes manchmal unerschwinglich sind, kaufen Werbetreibende häufig nur die Sync-Lizenz und geben eine neue, angepasste Aufnahme in Auftrag, die die bekannte Version imitiert. Darüber hinaus gibt es Unternehmen, die sämtliche Rechte an den Songs einer Musikbibliothek besitzen und sogenannte „Soundalike“-Aufnahmen bekannter Lieder anbieten, die nach Genre oder Stimmung gruppiert sind. Die Verwendung solcher Aufnahmen birgt natürlich ein erhöhtes Risiko der Urheberrechtsverletzung und sollte zur Vermeidung rechtlicher Konsequenzen sorgfältig abgesichert werden.

Werbemusik kreativ und legal nutzen Foto: KoolShooters (Pexels)

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Between-Subjects-Design und Within-Subjects-Design im Vergleich

Zu Beginn eines Experimentes sollten Sie sich gut überlegen, ob Sie das Between-Subjects-Design oder das Within-Subjects-Design brauchen. In der Regel gibt es in einem Experiment unabhängige Variablen (UV), die Sie kontrollieren und manipulieren, um ihren Einfluss auf die abhängige Variable (AV) zu untersuchen. Sie beobachten die abhängige Variable unter Berücksichtigung der unabhängigen. Wie schon die Grafik zeigt, besteht ein wesentlicher Unterschied zwischen dem Between-Subjects-Design und dem Within-Subjects-Design in der Art und Weise, wie der Einfluss von UV auf AV anhand der Stichprobe erfasst wird:

Between-Subjects-Design vs. Within-Subjects-Design Grafik: Melissa Steinbarth

Between-Subjects-Design

Bei einem Between-Subjects-Design, oder auch Zwischengruppen-Design, durchlaufen die Teilnehmenden der Stichprobe genau eine experimentelle Bedingung. Es gibt also mindestens zwei Versuchsgruppen und/oder eine Kontrollgruppe.

Jede Versuchsgruppe durchläuft eine Behandlung mit einer UV, von der erwartet wird, dass sie sich auf die AV auswirkt. Kontrollgruppen erhalten entweder keine Behandlung oder eine Scheinbehandlung (auch Placebo oder Sham bezeichnet). Um zum Beispiel zu untersuchen, ob eine Sonifikation die Merkfähigkeit von Zahlensequenzen verbessert, kann zur Kontrolle ein zufälliger Klang verwendet werden.

• Nutzen: Sie können die Gruppenunterschiede zwischen Proband’innen vergleichen. Unterscheiden sich die Ergebnisse der Gruppen signifikant voneinander, ist dies ein Indiz, dass die UV die Unterschiede verursacht hat.
• Gefahr: Zwei Gruppen von Menschen unterscheiden sich anhand unzähliger Variablen. Den Einfluss von allem, was Sie nicht kontrollieren können, müssen Sie randomisieren, Gruppen also sehr groß machen.
• Beispiel: Sie wollen untersuchen, welche Hintergrundmusik (UV) sich auf die Fröhlichkeit eines Filmausschnitts (AV) auswirkt. Im Sinne des Between-Subject-Designs bilden SIe zwei Versuchsgruppen, denen Sie den Filmausschnitt mit unterschiedlicher Hintergrundmusik präsentieren. Weichen die Fröhlichkeitsurteile der beiden Gruppen voneinander ab, kann die Hintergrundmusik der wesentliche Grund dafür sein. Vielleicht bestand aber auch eine Gruppe zufällig aus generell fröhlichen Menschen, deren Fröhlichkeitsurteile ungeachtet der Musik hoch wären. Ohne Vorstudie ist das nicht kontrollierbar. Dieser ungewollte Bias wird umso unwahrscheinlicher, je größer die Gruppen sind.

Within-Subjects-Design

Bei einem Within-Subjects-Design, auch Design mit Messwiederholung oder Repeated Measures bezeichnet, absolvieren die Teilnehmenden der Stichprobe alle experimentellen Bedingungen. Es gibt also in der Regel nur eine Versuchsgruppe, die mehreren unabhängigen Variablen ausgesetzt wird.

• Nutzen: Individuelle Unterschiede spielen kaum eine Rolle. Das führt bei der gleichen Stichprobengröße zu einer höheren statistischen Power. Finden Sie einen signifikanten Unterschied zwischen den AV, ist die Ursache sehr wahrscheinlich die UV.
• Gefahr: Da dieselbe Person mehrere Durchläufe eines Experiments erlebt, können sowohl Trainingseffekte als auch Ermüdungserscheinungen auftreten. Damit diese das Ergebnis nicht verfälschen, muss jede mögliche Reihenfolge von Durchläufen gleich oft vorkommen.
• Beispiel: Sie untersuchen, wie präzise (AV) Menschen zu Musik mit unterschiedlichen Tempi (UV) mitklopfen können. Teilnehmer’innen wird dasselbe Musikstück in langsamem, mittlerem und schnellem Tempo vorgespielt, mit der Aufforderung, im Takt mitzuklopfen. Die zeitliche Präzision wird dann pro Person über die drei Bedingungen hinweg verglichen. Die Ergebnisse geben Aufschluss über den Zusammenhang zwischen Musiktempo und Präzision beim Mitklopfen. Allerdings sind Proband’innen mit der gestellten Aufgabe und dem Musikstück beim zweiten und dritten Durchlauf bereits vertrauter, was ihre Präzision erhöhen kann. Darum muss jede der sechs möglichen Reihenfolgen aus langsam, mittel und schnell gleich häufig vorkommen. Sie benötigen eine durch sechs teilbare Anzahl Versuchspersonen.

Vorteile im Überblick

Jedes experimentelle Forschungsdesign hat Vor- und Nachteile, die Sie bei der Planung eines Experiments berücksichtigen sollten. Wenn Sie sich nicht sicher sind, welches Design für Ihre Forschung am besten geeignet ist, orientieren Sie sich an der folgenden Übersicht:

• Between-Subjects-Design: Kurze Experimentdauer
  
  1. Jedes Experiment dauert nur kurz, weil nur eine Versuchsbedingung pro Person getestet wird. Besonders in Laboren mit strenger Terminvorgabe können Sie so flexibler Zeiten buchen.
  2. Auf kurze Experimente lassen sich Proband’innen aus dem näheren Umfeld oft mit wenig Aufwand und Vergütung ein.
  3. Zudem treten bei Versuchsteilnehmenden weniger Ermüdungserscheinungen auf. In den Daten zeigt sich das wahre Potenzial ihrer UV.
  4. Sie müssen sich keine Gedanken zu Trainingseffekten, Reihenfolge und Teilbarkeit der Proband’innenzahl machen.

• Vorteile Within-Subjects-Design: Kleine Stichprobe
  
  1. Da alle Teilnehmenden wiederholte Messungen liefern, erzielen Sie dieselb Validitä und Trennschärfe mit einer kleineren Stichprobe, als im Between-Subjects Design.
  2. Sie müssen also weniger Proband’innen rekrutieren. Diese nehmen für ein lang andauerndes Experiment mitunter eher eine lange Anfahrt in Kauf, als für ein kurzes.
  3. Brauchen Sie viel Personal oder viel Zeit für den Versuchsaufbau, sind wenige lange Experimente besser planbar und effizienter, als viele kurze.
  4. Da Sie nur eine Teilnehmer’innengruppe haben, müssen Sie sich keine Gedanken zur Vergleichbarkeit der Gruppen machen.
  5. Wollen Sie Trainingseffekte beobachten, ist eine Längsschnitt-Studie mit Within-Subjects-Design oder ein gemischter Aufbau notwendig.

Insgesamt bieten sowohl das Between-Subjects-Design als auch das Within-Subjects-Design zahlreiche Vorteile für die Erforschung von Phänomenen in verschiedenen Disziplinen. Bei Längsschnitt-Studien wird insbesondere auf Within-Subject oder Mixed Methods gesetzt. Durch die sorgfältige Auswahl eines geeigneten Designs können Sie eine präzise und aussagekräftige Untersuchung durchführen, die wertvolle Erkenntnisse für Ihr Fachgebiet liefert.

Wenn Sie mit dem Gedanken spielen, Musik zu studieren, finden Sie hier einen Überblick über den Studiengang Systematische Musikwissenschaft an der Universität Hamburg.

Quellen

• Charness, G., Gneezy, U. & Kuhn, M. A. (2012). Experimental methods: Between-subject and within-subject design. Journal of Economic Behavior & Organization, 81(1), 1–8. https://doi.org/10.1016/j.jebo.2011.08.009
• Greenwald, A. G. (1976). Within-subjects designs: To use or not to use? Psychological Bulletin, 83(2), 314–320. https://doi.org/10.1037/0033-2909.83.2.314

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